Agrippina, UDL

Aunque parezca una paradoja hay que aprovechar para visitar la Staatsoper Berlin (UDL) cuando la Staatskapalle Berlin y su director Daniel Barenboim están de gira (estos días andan por París). El sustituto últimamente es René Jacobs que siempre nos presenta una alternativa interesante en la UDL.

Si el año pasado René Jacobs presentó Orlando Paladino de Haydn dirigiendo la Freiburger Barockorchester en esta ocasión ha dirigido a la Akadamie für Alte Musik Berlin en Agrippina de Händel. Cuando fue anunciado el reparto destacaban Alexandrina Pendatchanska como Agrippina y Bejun Mehta como Ottone. En esos momentos, Mayo de 2009, el papel de Nerone estaba sin adjudicar. Así y todo decidí asegurarme una entrada.

El domingo asistí a la segunda representación de Agrippina de la que salí muy satisfecha. Se confirmó lo que ya sabía y es que Jacobs es un buen conocedor de la música de Händel, como bien demostró en su grabación de Giulio Cesare de principios de los 90. Nos ofreció una viva versión de la ópera a la que no supe encontrar ningún pero.

Alenxandrina Pendatchanska como Agrippina estuvo muy bien. Es un placer escuchar su voz dramática con esa agilidad. Estuvo especialmente bien en el aria Ogni vento ch’al porto la spinga del final del segundo acto.

Bejun Mehta estuvo muy bien con su matizada y sentida interpretación de Ottone donde cosechó los primeros aplausos del educado y atento público de la UDL en su primera intervención, en el aria Lusinghiera mia speranza. Será un placer escucharle interpretando a Händel durante la próxima temporada en el GTL.

La sorpresa de la noche fue la joven soprano Anna Prohaska que interpretó a Poppea. Posee una bonita voz y además también me convenció dramáticamente. También estuvo muy bien en sus intervenciones. Una joven intérprete a seguir.

La joven mezzoprano estadounidense Jennifer Rivera fue finalmente la escogida por Jacobs para interpretar Nerone. Posee una voz cálida y domina bien la coloratura como se pudo comprobar en su aria del tercer acto Come nube che fugge dal vento. Otra joven intérprete a seguir.

Neil Davies, como Pallante, Dominique Visse, como Narciso, y  Daniel Schmutzhard, como Lesbo, estuvieron bien en sus correspondientes papeles. Más flojo me pareció Marcos Fink en el papel de Claudio que tuvo algún problema con la parte más grave de su partitura.

En cuanto a la producción de Boussard no me produjo ni frío ni calor, la verdad. Parte de la acción transcurre en una pasarela situada delante del foso de la orquesta. Nos permitió tener más cerca a los cantantes pero dejó en muchos momentos el escenario vacío, más bien parecía una versión concertante de la ópera. Que sean los figurines de Christian Lacroix lo más comentado de esta producción ya lo dice todo, aunque he de reconocer que para mí quisiera el abriguito negro de la Pendatchanska.

Como curiosidad comentar que todos los personajes llevaban un vestuario actualizado excepto Claudio y su criado Lesbo que llevan ropa del siglo XVI, indicando que están ajenos a todos la trama que se urde contra Claudio.

Al final grandes ovaciones para el reparto y el director musical, con pataleo añadido como es habitual en la UDL. Lo que hizo que apenas me hicieran mella las bajas temperaturas a la salida de la UDL.

Se confirma que se grabará Agrippina con este reparto para Harmonia Mundi.

Lohengrin, DOB

Ayer asistí a la función de Lohengrin en la Deutsche Oper Berlin (DOB). En esta función hubo un cambio en el reparto de la premiére ya que Kristinn Sigmundsson fue substituido por Hans-Peter König como Heinrich.

La representación incluía varios puntos de interés. Uno de ellos era la intervención de Waltraud Meier como Ortrud, otro era repasar el estado vocal después del decepcionante Tristan de Ben Heppner en la ROH el pasado Octubre.

Por lo que respecta a la Meier tengo que decir que es en este papel donde me ha gustado más, quizá porque la tesitura del rol hace que no se le presenten los problemas que tienen otros, como por ejemplo Isolde, y de esa forma no se ve obligada a emitir sonidos forzados. La verdad es que estuvo muy bien en toda la función, especialmente en el segudo acto donde tiene su intervención más importante. Hay que decir también que de potencia vocal todavía está en buena forma porque se la oía muy bien en todos los concertantes.

En cuanto a Heppner me temí lo peor en su primera intervención en el primer acto que presagiaba un canto parecido al del Tristan de Londres. A pesar de todo consiguió controlar los agudos y dar algunas buenas notas pero en In fermen land del tercer acto naufragó un poco, rozando el galleo en un paso del centro al agudo. Veremos cómo estará en Mayo cuando cante en el GTL Pikovaia Dama. La verdad es que no tengo muy buenas sensaciones.

Ricarda Merbeth fué una buena Elsa, aunque quizá un tanto ligera para el papel. Tuvo muy buenos momentos, en especial en el segundo acto con Ortrud. A la Merbeth ya le escuchamos al inicio de la temporada del GTL cantando en el concierto dedicado a Szimanovsky, de la que no hice crónica. Me pareció con una voz bonita y muy segura en sus agudos.

La sorpresa de la noche fue Eike Wilm Schulte como Telramund. El veterano barítono pudo, y cómo, con el papel sin pestañear. Se le escuchó una voz muy potente y segura. La verdad es que junto a la Meier hicieron un segundo acto antológico. Para mí fue junto a la Meier lo mejor de la noche.

Hans-Peter König fue un Heinrich contunde, con poderío vocal pero un poco brutote en lo interpretativo.

La orquesta tituar del teatro estuvo bajo la dirección del danés Michael Schønwandt. Consiguió que la orquesta sonara homogénea y a pesar de que ofreció una visión muy enérgica de la partitura supo controlar perfectamente los momentos más sutiles sin perder el equilibrio.

La producción es del año 1990 y es de un estilo clásico. No vemos al cisne pero en los momentos clave un juego de luces e hilos que nos recuerdan el batir de unas alas nos evocan el cisne. Creo que éste es el hallazgo de la producción, el resto es bastante aceptable.

Dejo para el final la excelente interpretación del coro. Sólo por esos coros ya merecía la pena pegarse el viaje a Berlín.

Al final ovaciones para casi todos, menos para Heppner y grandes ovaciones para la Meier y Schulte. También se llevaron su buena ración Schønwandt y los coros del teatro.

En definitiva un auténtico lujo escuchar a en la DOB a Waltraud Meier es un tanto raro ya que su casa es la Sataatsoper Berlin (UDL). Allí las ovaciones son más sonadas porque, a parte de ser más pequeño el teatro, el suelo es de parquet y en la UDL se aplaude y patalea. En la DOB esto no es posible porque el suelo es de cemento, cosa de la modernidad del teatro.

Y esta tarde, a las 18:00, Agrippina en la UDL. Una Agrippina que ha causado mucha expectación, desde hace días están que no hay entradas para las funciones que restan. Quien tenga interés puede escucharla por internet ya que se retransmitirá en diferido la función del estreno del 4 de Febrero por Kulturradio a las 19:30.

La Cenerentola, TCE

El pasado sábado, después del estupendo Werther que comenté ayer, fue el turno del estreno de La Cenerentola en el Théâtre des Champs Elysées (TCE), una ópera mucho más liviana en donde el gran reto de la puesta en escena era conseguir que el público se lo pasara en grande.

El objetivo se cumplió con creces con la producción del 2005 del TCE con la dirección de escena de Irina Brook. En esta producción la acción actualiza la obra en unos evocativos años 70, muy coloristas. Nos presenta a la familia de Don Magnifico propietaria de un bar un tanto decadente, cargado de deudas donde trabaja a todas horas Angelina. El otro escenario, el palacio de Don Ramiro, se convierte en un amplio loft con vistas a la torre Eiffel.

Aunque los papeles principales son Don Ramiro, interpretado por Antonio Siragusa, y Angelina, interpretado por Vivica Genaux, los grandes triunfadores de la noche fueron Pietro Spagnoli, como Don Magnifico, e Ildebrando d’Arcangelo, como Alidoro, que con su dominio de las tablas consiguieron hacernos reír de lo lindo.

Vivica Genaux no la ví muy cómoda en el papel, hasta que no llegó al final con Non più mesta no estuvo en su salsa. Ahí sí que desplegó su dominio de la coloratura y se lució de verdad. Desde yo estaba, en el lateral izquierdo del 1er Balcon se le escuchó perfectamente en todo momento, aunque hay que decir que el TCE no es un teatro grande.

Antonio Siragusa fue un buen Don Ramiro que solventó muy bien la única parte complicada de su papel, y muy lucida, Sì, ritrovarla io giuro!. La verdad es que no tuvo ningún problema con los agudos.

Estupendos como ya he dicho Pietro Sapagnoli e Ildebrando d’Arcangelo que aportaron la bis cómica, además de buen canto, a la producción.

El barítono francés Stéphane Degout me pareció que estuvo bastante bien en el papel de Dandini. Bien también las dinámicas hermanastras de Angelina, Clorinda y Tisbe, interpretadas por Carla di Censo y Nidia Palacios.

Quizá lo más flojo de la noche fué la dirección musical que corrió a cargo de Michael Güttler dirigiendo al Concerto Köln. La  obertura la dirigió de forma bastante abrupta. Luego la cosa mejoró bastante, afortunadamente.

En fin una noche puramente rossiniana donde me lo pasé muy bien. A veces no es necesario un gran escenario para conseguir grandes efectos. Al final largos aplausos y ovaciones para todos, especialmente para Irina Brook.

Os dejo con un vídeo de uno de los momentos más divertidos de la puesta en escena, cuando Dandini intenta explicar a Don Ramiro que él, en realidad, no es el príncipe. Creo que las imágenes pertenecen al estreno de la producción pero no estoy segura.

Vídeo lucarden.

La Cenerentola será retransmitida por France Musique el sábado 20 de Febrero de 2010 a las 19:00.

Werther, ONP

Una de las razones para ir a la ópera es asistir a un espectáculo irrepetible. En el que casi todos los elementos que componen el espectáculo, música, cantantes, puesta en escena estén en comunión y consigan que el público sienta de verdad y en toda su plenitud lo que sucede en escena.

La verdad es que con este Werther de la ONP se consiguió todo esto. Al menos es lo que percibí in situ el pasado viernes en una abarrotada Opéra Bastille. Creo que el principal responsable del éxito fué una magistral dirección de la orquesta de Michel Plasson y de dos cantantes muy inspirados Sophie Koch y Jonas Kaufmann.

La puesta de escena de Benoît Jacquot, muy sencilla pero eficaz, subrayó adecuadamente lo que dicta el libreto. De todas formas debo decir que fue mucho mejor verla desde la platea que en la pésima realización televisiva del propio Jacquot para la cadena Arte.

Jonas Kaufmann nos ofreció un sentido Werther desde el primer acto. Parece que es en este tipo de papeles más románticos donde su voz consigue brillar más. Consiguió ponerme la piel de gallina en el primer acto y especialmente en los dos últimos.

Sophie Koch estuvo muy bien, quizá algo exagerada en lo gestual. Supo encontrar el tono justo y vivimos con ella su viaje emocional entre el deber y el miedo final de perder para siempre a Werther. Consiguió arrancar aplausos del público en el tercer acto. Aplausos un poco tímidos y que fueron reprimidos por otra parte del público lo hizo que un airado espectador dijera que se aplaudiría si le venía en gana.

Veamos a Sophie Koch y Jonas Kaufmann en el tercer acto de la ópera.

Vídeo de medicitv.

Será un lujo poder volver a disfrutar de la Koch como Octavian el próximo Mayo en Der Rosenkavalier del GTL.

Anne-Catherine Gillet consiguió destacar con el papel de Sophie dándole personalidad. Ludovic Tézier estuvo bien en el desagradable papel de Albert.

La dirección musical de Plasson supo encontrar el tono justo en cada una de los actos. Especialmente inspirada fue el inicio del primer acto y el interludio del cuarto acto que me estremeció.

En definitiva, una excelente noche musical en la que el intenso frío parisino se hizo soportable.

Las anécdotas de la función: 1) No se abrió la puerta lateral por la que debían de volver al escenario Charlotte y Werther. La Koch y Kaufmann resolvieron rápidamente la situación volviendo rápidamente sobre sus pasos. 2) Kaufmann no calculó bien dónde debía situarse al final del primer acto y el telón le dió en la pantorrilla con lo que se le quebró un poco la voz.

El próximo 13 de Febrero France Musique retransmitirá en diferido la ópera a las 19:05.

La retransmisión televisiva de la cadena Arte de Werther estará disponible en la web hasta finales de Marzo.

DiDonato canta Rossini

Foto: Lilith

Joyce DiDonato ha llevado el recital Amore a varias ciudades europeas. En el Wigmore Hall de Londres la primera parte del programa tuvo unas variaciones, Assisa a’pie d’un salice de la ópera de Otello fué acompañada por David Zobel al piano y por Lucy Wakeford al arpa. La primera parte finalizó con un bis, Giusto ciel de la ópera Maometo II, también de Rossini.

La grabación pertenece al segundo concierto del Wigmore Hall, 28 de Enero de 2010.

Ver Joyce DiDonato, #54.

Tristan und Isolde, #55

El miércoles volví al GTL para la segunda función del primer reparto ya que el domingo del turno T estaré de viaje.

Yo pensaba que función mejoraría algo por lo que respecta a los intérpretes principales, especialmente Peter Seiffert. Sólo mejoró una parte. Michaela Schuster estuvo casi que mejor que el sábado, lo mismo que Kwangchul Youn que estuvo mejor en el tercer acto.

Peter Seiffert aguantó el primer acto pero en el segundo no acabó de estar fino en los dúos con Deborah Voigt. El tercer acto empezó valiente y pensé que lograría mejorar lo que destrozó el sábadó pero sólo aguantó un rato, al final acabó vencido por el peso del personaje con el que no puede.

Deborah Voigt estuvo bien pero tuvo un pequeño fallo en su parte más importate, no entró bien en el Mild und Leise.

Grandes aplausos para la Schuster y Youn, discretos aplausos para Seiffert, ni mucho menos obtuvo los bravos del sábado y eso que estuvo algo mejor) y lo mismo para la Voigt acompañado por algún abucheo.

Aunque la orquesta sonó mejor en el tercer acto Sebastian Weigle sigue sin conseguir transmitirnos la emoción de la partitura, no consigue dejarnos clavados en la silla.

Veremos qué nos depara el segundo reparto, para mí será el próximo 10 de Febrero, la función fuera de abono.

Ver Tristan und Isolde, GTL y Tristan und Isolde, #53.

Saludos desde París, espero que mañana pueda poner algo sobre K & K.

Joyce DiDonato, #54

Foto: El Periódico

El pasado domingo tuvo lugar el recital de la mezzosoprano estadounidense Joyce DiDonato dedicado a tres siglos de canciones de amor italianas; en el blog ya había adelantado parte del programa de Santololiquido y Beethoven.

Como suele ser habitual en los recitales el teatro no acababa de estar lleno pero no ofrecía una deserción como en otros recitales de domingo.

Antes que nada comentar el probre programa del concierto que estaba sin agrupar las canciones por bloques por lo que el público empezó a aplaudir al final de cada una de las piezas, a diferencia de lo que ocurría en el programa de la web del propio teatro.

El orden del programa era cronológico y primero escuchamos las arie antiche para ir avanzando. Las cantó poniéndose en situación en cada una de ellas y ofreciendo un estupendo Amarilli mia bella de Caccini.

Cuando finalizó el primer bloque la propia Joyce DiDonato tuvo que indicar al público que dejara de aplaudir en cada pieza porque lo que venía a continuación era el bloque de Beethoven y que no se aplaudiera. El público fué obediente y no aplaudió. Si el programa hubiera estado bien editado eso que se hubiera ahorrado.

Finalizó la primera parte con Assisa a’pie d’un salice de la ópera Otello de Gioachino Rossini, en la que estuvo francamente bien, para no olvidar

La segunda parte se inició con el bloque de canciones de Santoliquido, para mí lo más novedoso de la noche ya que era un autor que desconocía, y en la que también mostró su expresividad, cómo se pone en situación para cada una de las canciones.

El segundo bloque de la segunda parte estuvo dedicado a canciones de Ildebrando Pizzetti, Enrico Toselli, Stefano Donaudy y Mario Castelnuovo-Tedesco, que para mí fué lo menos interesante del concierto, con esto no quiero decir que estuvieran mal cantadas.

El programa acabó con un último bloque de canciones que no tenían relación con Italia. Lolita: Serenata spagnola de Arturo Buzzi, una de las piezas más aplaudidas, Sérénade française de Ruggero Leoncavallo que dedicó al pianista David Zobel, Canto arabe de Elena Barbara Giuranna y La Spagnola de Vincenzo Di Chiara que hizo que el público la ovacionara, y con razón.

Mencionar también la magnífica labor de acompañamiento del pianista habitual de Joyce DiDonato, David Zobel.

Al final nos ofreció dos bises, el aria de Cherubino Non so più cosa son cosa faccio Voi che sapete de Las bodas de Fígaro, para ponerse más en la piel de Cherubino se puso una pajarita como podréis ver en el vídeo.

Por lo que sé el papel de Cherubino lo interpretará por última vez en escena el próximo Marzo en la Lyric Opera de Chicago.

Vídeo de thecelticspirit.

Y el aria de Elena Tanti affetti de La donna del lago en la que estuvo muy bien y me dejó con ganas de verla en escena interpretando el papel.

Joyce DiDonato consiguió que el público saliera un poco insatisfechos de recital, otro bis hubiera sido de agradecer.

Ver DiDonato canta Beethoven y DiDonato canta Santoliquido.

Tristan und Isolde, #53

En la primera función de ayer de Tristan und Isolde se puso en evidencia la constatable mejora de la orquesta en cuanto a prestaciones, excepto algún titubeo en el preludio del tercer acto.

La orquesta ha sonado más atinada que, por ejemplo, en las titubeantes funciones de Die Meistersinger von Nürnberg de la pasada temporada. Es una buena noticia y debe dejarse constancia de ello.

A pesar del excelente sonido de la orquesta la poco enérgica, casi plana, dirección de Sebastian Weigle no consiguió emocionarme en ningún momento de la noche, ni en el preludio inicial, ni el preludio del tercer, ni en el liebestod. Tengo que reconocer que al final consiguió que me aburriera un poco en el tercer acto.

No me extraña que al final hubo quien deciera aplaudir antes de la última nota, aplausos que se cortaron con un sonoro chistar. Al final se aplaudió una vez finalizadas todas las notas y sin ningún momento de recogimiento por parte del público.

En cuanto a los cantantes los agoreros que vaticinaban la poca forma de Deborah Voigt en el papel de Isolde se equivocaron. La Voigt puso en evidencia que conserva la potencia y resistencia para el papel, otra cosa es que su timbre guste más o menos. Creo que no fué justamente recompensada por el público al final de la representación.

Foto: Antoni Bofill / GTL

Quien se llevó los mayores aplausos fué Peter Seiffert que ofreció inicialmente un pletórico Tristan en el primer acto para ir decayendo a partir de la mitad del segundo acto y estar francamente mal en el tercer acto, galleando alguna nota. Se notoaba que la voz no acaba de salir en condiciones, con vibrato y con la voz quebrada. Espero que este problema sea ocasional y que se subsane en las próximas funciones.

No puede evitar recordar la crónica de dandini de su Tristan del MET y lo que me tocó presenciar en su Tannhäuser madrileño la temporada pasada. Al final creo que se llevó más bravos de los que realmente mereció.

Mucho más lucida me pareció la Brangäne de Michaela Schuster que estuvo contundente en todas sus intervenciones y espero volver pronto en el GTL.

Bo Skovhus como Kurwenal me pareció correcto, casualmente era el único cantante que repetía papel wagneriano desde la pasada temporada.

El Rey Marke de Kwaangchul Youn fué de menos a más. Aunque en el segundo acto estuvo correcto en el tercer acto, a mi entender, flojeó y me hizo añorar la majestuosidad que confiere al papel Matti Salminen, por poner un ejemplo.

Norbert Ernst estuvo bien en el corto papel de malvado Melot. Lo mismo puede decirse de Francisco Vas y Manel Esteve Madrid.

Sobre la producción sólo puedo añadir que trata la pasión amorosa de Tristan e Isolda como un cuento de hadas, casi como una fábula en la que poco interviene la carnalidad de ese amor.

La escena final es impactante, al menos para mí, cuando la escena se oscurece y un foco resalta Isolde durante el liebestod para finalizar la ópera con Isolde y Tristan fundidos en un abrazo, unidos, al fin, en la muerte, el único espacio donde era posible su amor.

Al final grandes aplausos y bravos para la orquesta y también, a mi entender excesivos, Sebastian Weigle.

Ahora sólo queda ver qué ocurre con Seiffert en las próximas funciones y ver el rendimiento del reparto popular, compuesto por Jennifer Wilson e Ian Storey, que visto lo visto parece más solvente que Seiffert en este papel.

Ver Tristan und Isolde, GTL y Tristan und Isolde, #55.

DiDonato canta Beethoven

El pasado lunes, 18 de Enero, la mezzosoprano estadounidense Joyce DiDonato presentaba en el Teatro de la Zarzuela un programa dedicado a la canción italiana, Tres siglos de Amore. Este es el mismo programa que podremos escuchar mañana en el GTL.

A modo de avance dejo la sección del programa que podríamos llamar Amore a la tedesca, escucharemos las Vier Arietten und ein Duett, op. 82, de Ludwig van Beethoven con textos en italiano de Pietro Metastasio (Dimmi, ben mio, che m’ami, T’intendo si, mio cor, L’amante impaziente, Arietta buffa, y L’amante impaziente, Arietta assai seriosa) y La Partenza.

La grabación procede del recital del Ciclo de Lied del Teatro de la Zarzuela, le acompaña al piano David Zobel.

Ver DiDonato canta Santoliquido y Joyce DiDonato, #54.

Tristan und Isolde, GTL

El pasado miércoles tuvo lugar el ensayo de Tristan und Isolde con el primer reparto bajo la dirección musical de Sebastian Weigle, la dirección teatral de Thor Steingraber, la escenografía y vestuario de David Hockney y la iluminación de Duane Schuler. La producción es de Los Angeles Opera y data de 1987.

La verdad es que salí muy satisfecha de la producción, no cabe hablar de la parte musical y vocal de un ensayo, porque tanto la escenografía y el vestuario de Hockney y las luces de Schuler nos proporcionan un espectáculo visual muy disfrutable.

La primera impresión, al menos en el primer acto, es estar ante un producto de la era del Technicolor donde los colores brillantes y las formas caprichosas, sinuosas, e incluso irreales, de los elementos que componen la acción que transcurre en la cubierta del barco que concude a Isolde a encontrarse con el rey Marke. Casi se echaba en falta a Yvonne de Carlo.

Foto: Antoni Bofill / GTL

El segundo acto me pareció muy conseguido con uno juegos de luces muy efectivos que produjeron unas escenas muy diferentes, separando claramente cada una de las escenas de que componían el acto.

El tercer acto es muy parco en elementos, con un paisaje casi desnudo del que el director de escena saca mucho partido. La verdad es que consiguió que este acto, que a veces puede convertirse en el más pesado de los tres, al menos para mí, transcurrió sin parecerme pesado.

No explico el final porque creo que es uno de los elementos que consiguen que esta producción sea la que mejor la resuleve de las producciones que he visto últimamente, la del Teatro Real de Lluís Pasqual,  la de la Staatsoper de Berlín de Harry Kupfer y la de la ROH de Chrsistof Loy.

A destacar el uso que se hace del volumen en la escenografía. Todas las escenas se desarrollan en planos inclinados que hacen que la escena ocupe casi toda la boca del escenario. Esto es especialmente destacable en el último acto. Esto, que escénicamenten es muy impactante desde el punto de vista visual, exige un sobresfuerzo a los cantantes porque es más complicado que cantantar sobre una superficie plana.

Creo que será uno de los títulos importantes de la temporada. El próximo sábado es la primera función, ya os contaré.

Retransmisiones en directo: 16 de Febrero, a las 19.00 h. por Radio Clásica de RNE y el 27 de Enero, a las 19.00 h. por Catalunya Radio, ver Retransmisiones.

Esposición: Hockney, los colores de la ópera. Dedicada a la obra escenográfica de David Hockney a propósito del estreno en el GTL de la producción de Tristan und Isolde de Los Angeles Opera, muestra ejemplos de sus diseños para Tristan und Isolde, Die Zauberflöte, The Rake’s Progress y la trilogía francesa (Les mamelles de Tirésias, Parade y L’enfant et les sortilèges). En el Balcó Foyer, hasta el 24 de marzo.

Ver Tristan und Isolde, #53 y Tristan und Isolde, #55.